Renacimiento (siglos XV-XVI)

En el siglo XV se produjo una renovación gradual en múltiples ámbitos, inspirada en el estudio de la civilización de la Antigüedad griega. Esta época recibe el nombre muy acertado de «Renacimiento» (renacimiento). Es sobre todo en Italia donde se manifiesta este impulso de renovación, que también es adoptado por otros pueblos, naturalmente con la aportación de sus propios logros.

Entre las grandes diferencias entre la Edad Media anterior y la nueva época del «Renacimiento» se encuentran, entre otras:

Edad Media
La gente se centraba principalmente en Dios y en la vida de más allá; se sentía vinculada y protegida por la comunidad a la que pertenecía —el artesano a su gremio, el monje a su orden, etc.—; el artista representaba principalmente temas bíblicos; en la arquitectura, la construcción eclesiástica ocupaba un lugar primordial.

Humanismo
El desarrollo de la personalidad del hombre libre, inspirado por el estudio de las concepciones artísticas, culturales y vitales de la civilización de la Antigua Grecia; la filosofía de vida que surge de esta aspiración se denomina «humanismo» (humanidad).

Cambios
Entre los cambios más significativos del Renacimiento se encuentran:
> En el ámbito religioso, se produce la Reforma.
> La invención de la imprenta, que permite una gran difusión del conocimiento.
> La invención de la brújula, que hace posibles los grandes viajes de descubrimiento.
> El descubrimiento de un mundo hasta entonces desconocido gracias a la invención del microscopio.
> Cambios en las perspectivas en el ámbito de las ciencias naturales.

Evolución
Los principales avances musicales durante y tras la época del «Renacimiento» son:

- Música instrumental independiente con una formación prescrita, por ejemplo, en la suite, una serie de danzas, introducidas o no por un preludio, una obertura o una intrada. (Hasta entonces, el uso de instrumentos musicales se derivaba principalmente de las voces). - Estructura homofónica: una voz melódica, normalmente la voz principal, es apoyada por voces secundarias de acompañamiento y/o acordes. - Interpretación solista con acompañamiento de una o varias partes instrumentales secundarias. - Influencia predominante del modo de tercera mayor (jónico) y del modo de tercera menor (eólico); por lo que los antiguos modos eclesiásticos pierden influencia (dórico-re; frigio-mi; lidio-fa; y mixolidio-sol) - la música sacra protestante (salmos y corales en la lengua vernácula)

- el desarrollo del oratorio (relato cantado, a menudo sobre temas bíblicos, para solistas, coro y acompañamiento instrumental).

- El nacimiento de la ópera gracias a la iniciativa de un grupo de amantes del arte (la Camerata) en Florencia, que, siguiendo el ejemplo de la tragedia griega clásica, impulsaron innovaciones en el ámbito dramático.

Compositores
Entre los compositores más destacados de esta época se encuentran los maestros de las escuelas veneciana y romana. Además:

> Martín Lutero (1483-1546) - compositor de melodías corales protestantes> Hans Leo Haszler* (1564-1612) - compositor alemán, discípulo de Andrea Gabrieli> William Byrd (1543-1623) - el primer compositor importante de música específica para teclado (espineta) de la escuela inglesa de los virginalistas
> Jan Pieterszoon Sweelinck* (1562-1612) - el último gran maestro de la escuela neerlandesa
> Girolamo Frescobaldi (1583-1643) - compositor italiano de obras para órgano
> Claudio Monteverdi* (1567-1643) - el primer gran compositor de la ópera italiana
> Heinrich Schutz* (1585-1672) - el compositor más importante de música sacra protestante para J. S. Bach

Orígenes y desarrollo de la ópera (siglos XVII-XVIII)
Hacia finales del siglo XVI, un grupo de amantes del arte de Florencia, la llamada «Camerata», intentó revivir la tragedia clásica (griega antigua); en ella se concedía un gran protagonismo a la música como marco, introducción, acompañamiento y apoyo de la acción escénica. En aras de la inteligibilidad del texto, en las primeras óperas cobró especial importancia el recitativo narrativo (canto hablado); los recitativos se alternaban con breves arias, canto coral y piezas instrumentales cortas.

Aunque el acompañamiento instrumental era inicialmente bastante sobrio y se apoyaba principalmente en instrumentos de cuerda como el clavicémbalo, el órgano y el laúd, poco a poco se fueron sentando las bases de la orquesta sinfónica tal y como la conocemos hoy en día, es decir, un conjunto de instrumentos de cuerda, complementado con instrumentos de viento (flautas, oboes, fagotes y cornetas, una especie de trompeta), algún instrumento de percusión y, además, el clavicémbalo.

El primer compositor de ópera importante es Claudio Monteverdi* (1567-1643), cuya ópera «Orfeo» se sigue representando con frecuencia, y con razón.

A partir de 1700, el estilo napolitano pasó a predominar en la ópera italiana; el recitativo perdió importancia y el énfasis se desplazó hacia el aria, en la que el solista o la solista brillaba por su virtuosismo. Una de las características de las interpretaciones vocales era el llamado «bel canto» (canto bello). Una importante contribución a este desarrollo la aportó, entre otros, Alessandro Scarlatti (1659-1725). Siguiendo el ejemplo de Italia, la ópera se ganó un lugar fijo también en Francia, Alemania y Austria. En Francia, además de la ópera, también desempeñó un papel importante la pantomima-ballet, la historia danzada. Una figura destacada en este ámbito fue el italiano Jean Baptiste Lully* (1632-1687), quien, como compositor y director, logró hacerse un hueco en la corte francesa.

En Alemania y Austria predominó inicialmente el estilo operístico italiano, pero también se desarrolló el «Singspiel», una obra teatral con un acompañamiento musical generalmente sencillo y canciones que no exigían demasiado a los intérpretes. No fue hasta bien entrada la segunda mitad del siglo XVIII cuando la ópera germano-austriaca adquirió una identidad propia, sobre todo gracias a las óperas «Las bodas de Fígaro», «El rapto en el serrallo», «Don Giovanni» y «La flauta mágica» de Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791).