Historia del violín

El origen de la familia de los instrumentos de cuerda data aproximadamente de la segunda mitad del siglo XVI (se desconoce la fecha exacta). Sin embargo, en Europa ya se tocaban otros instrumentos de cuerda durante la Edad Media. Tres de ellos tuvieron una influencia decisiva en el desarrollo de la familia del violín: la rebec, la vedel y la lira de braccio.

El primer instrumento reconocible como violín apareció hacia 1550. Se desconoce quién fue el verdadero inventor del violín, pero sí sabemos que algunos de los violines, violas y violonchelos más antiguos son obra de dos italianos: Gasparo da Solo (1540-1609) y Giovanni Paoli Maggini (1580-ca. 1632), ambos originarios de Brescia. Estos instrumentos tenían cuerdas gruesas y bastante flojas, que producían un sonido más suave y apagado que los instrumentos modernos. 

El primer instrumento reconocible como violín apareció alrededor de 1550. Se desconoce quién fue el verdadero inventor del violín, pero sí sabemos que algunos de los violines, violas y violonchelos más antiguos son obra de dos italianos: Gasparo da Solo (1540-1609) y Giovanni Paoli Maggini (1580-ca. 1632), ambos originarios de Brescia. Estos instrumentos tenían cuerdas gruesas y bastante flojas, que producían un sonido más suave y apagado que los instrumentos modernos.

La evolución de la luthería 
Aproximadamente en la misma época, Andrea Amati (1505-1580) fundó sus famosos talleres en Cremona. Su obra fue continuada más tarde por sus hijos; su nieto Nicola (c. 1596-1684) fue el artesano más hábil de la familia. Los Amati aclararon el tono del violín y le dieron su forma característica. Hicieron el instrumento más plano, estrecharon la cintura, afilaron las esquinas, aumentaron la tensión de las cuerdas y mejoraron el barniz.

El discípulo más importante de Nicola Amati, Antonio Stradivari (ca. 1644-1737), también trabajó en Cremona. A lo largo de su larga vida modificó varias veces los diseños de sus instrumentos, pero en 1898 llegó a un modelo de 35 cm de longitud y 20 cm de anchura. La mayoría de sus mejores violines se construyeron a partir de este modelo básico. Stradivari tenía un importante competidor en Cremona: Giuseppe Guarneri del Gesù (1698-1744).

Hacia 1800, los luthiers habían introducido varios cambios pequeños pero importantes en la construcción de sus instrumentos. El puente se hizo más alto, las cuerdas se hicieron más finas y se tensaron más para mejorar el sonido. Se alargó y reforzó la barra de resonancia para soportar la mayor tensión, el mástil y el diapasón se hicieron más largos —con una curvatura más pronunciada hacia atrás— y se estrecharon en la zona de la clavija para facilitar el movimiento rápido de los dedos. También se añadió una mentonera para que el intérprete pudiera sujetar el instrumento con mayor firmeza. Hoy en día, estas aplicaciones se siguen utilizando en la construcción de violines.

Historia de la viola
La viola es algo más grande que el violín (unos 7,5 cm), y esta longitud adicional le confiere su característico tono cálido. El desarrollo de la viola siguió al del violín, aunque el instrumento llegó a ser mucho menos popular. Esto se debió principalmente a que no podía desempeñar un papel tan solista debido a que su tono era menos claro y brillante en comparación con el del violín. Debido a su sonido cálido, la viola se utiliza principalmente como instrumento de acompañamiento y, en este papel, armoniza de manera excelente. En la segunda mitad del siglo XVIII, los músicos descubrieron la belleza sonora específica de este instrumento. Esto se aprecia claramente en los cuartetos de Haydn y Mozart. Más tarde, en el siglo XIX, se aprovecharon las cualidades de la viola. En la obra orquestal de Berlioz «Harold en Italia» se confía un importante solo a la viola. A partir de 1900, la importancia de la viola como instrumento solista va en aumento.

Historia del violonchelo
El violonchelo ya existía en el siglo XVI, pero no cobró importancia hasta principios del siglo XVII como instrumento de continuo. En la parte de continuo, el violonchelista acompaña la parte de bajo del clavicémbalo. También en las primeras orquestas y en conjuntos más pequeños, los violonchelos respaldaban las armonías de los demás instrumentos. A partir de principios del siglo XVIII, casi todos los compositores contribuyeron al repertorio del violonchelo. La técnica alcanzó grandes cotas en el periodo romántico y también se aprovecharon al máximo las posibilidades expresivas del instrumento.

Historia del contrabajo
El contrabajo se utilizó por primera vez a finales del siglo XVI en Italia y Alemania. El instrumento tiene un aspecto algo diferente al de los demás y ha conservado más o menos la forma de un antiguo instrumento de cuerda frotada: la viola baja. Aunque su sonido algo apagado hace que el contrabajo sea menos adecuado como instrumento solista, ocupa un lugar importante en conjuntos y orquestas. El contrabajo se utiliza principalmente para sustentar los tonos más graves de las armonías.

Evolución de los instrumentos de cuerda en la orquesta 
Hace unos 350 años, el largo periodo de la música polifónica (en la que cada voz sigue su propio patrón melódico) dio paso a la música homofónica (en la que una sola voz melódica se acompaña de acordes). Este cambio planteó nuevas exigencias al timbre de la orquesta: se requería una mayor claridad de sonido, algo que las violas ya no podían ofrecer. A partir de entonces, los violines sustituyeron a las violas en las orquestas.

El desarrollo de los instrumentos de cuerda en la orquesta constituye una parte importante de la historia de la música en Occidente, tanto en lo que respecta a los compositores como a los intérpretes. Hay tres razones importantes para ello: en primer lugar, los violines, las violas, los violonchelos y los contrabajos, gracias a su variedad de técnicas de interpretación, pueden lograr una enorme gama de matices sonoros. En segundo lugar, las cualidades tonales de estos cuatro instrumentos se complementan entre sí, lo que les permite formar un fondo bien contrastado para los demás instrumentos. En tercer lugar, el uso del arco permite a los intérpretes mantener la nota y controlar la potencia del sonido.